El Complejo Teatral 2018, de Leonor Manso a Muscari, Alfredo Arias y Audivert

En este martes, el Complejo Teatral de Buenos Aires presentó toda la programación del Teatro General San Martin y tambien de las salas

Teatro San Martin

Sala Martin Coronado
“El Casamiento” de Witold Gombrowicz

Witold Gombrowicz  es un  clásico que  representa de  forma  inequívoca
el genio del autor, pero también nos conecta con la tradición teatral polaca de Tadeusz
Kantor. Una obra escrita en Argentina y pilar fundamental para entender las claves de la
evolución del lenguaje teatral, una obra maestra donde lo poético y lo filosófico se
encuentran en una dimensión formal definitoria del teatro contemporáneo. La
construcción del  personaje, la  forma  casi  kantoriana  y  el  propio  tema  del  casamiento
la  hacen  situarse  en  la  estela  de  la  gran tradición del teatro político. Arranca en el
sueño de un soldado polaco del ejército francés durante la II Guerra Mundial: un
momento de decadencia de los valores y que presenta la necesidad de crear una nueva
realidad. También virtual. También teatral. Una ceremonia gombrowicziana siempre
actual y política.
El personaje de Enrico -alter ego de Gombrowicz- se transforma en director de escena, un
creador de mundos televisivos, finalmente un político que cambia las prioridades y los
valores de la sociedad. La manipulación mediática y humana sigue la idea de Gombrowicz
que indica esta línea de interpretación en sus diarios. Enrico crea mundos escénicos
usando la tradición de teatro de Kantor: el gran maestro del teatro formal construido
sobre las ruinas del mundo de postguerra.
Coordinación de producción (CTBA): María La Greca
Música original: Hadrian Tabecki
Vestuario: Luciana Gutman
Escenografía: Luigi Scoglio
Dirección: Michal Znaniecki
Funciones: de marzo a junio

2

Teatro – Temporada internacional (Uruguay)
Incendios
De Wajdi Mouawad
Dirección: Aderbal Freire-Filho
Por la Compañía Teatro El Galpón

Incendios cuenta tres historias íntimamente relacionadas entre sí: la de la joven Nawal
desde que se enamora de Wahab y queda embarazada; por otro lado, la historia de ese
primer hijo, del que la separan apenas nace y a quien busca obsesiva, frenética e
incansablemente durante toda la vida; y, por último, una segunda búsqueda emprendida
ahora por sus hijos mellizos para llegar a la verdad del pasado de su madre, Nawal.
La obra de Wajdi Mouawad está marcada por situaciones devastadoras: guerras, exilios,
pérdidas e injusticias. Incendios es uno de sus títulos más celebrados, con decenas de
premios, elogiadas producciones alrededor del mundo y una película dirigida por el
canadiense Denis Villeneuve, nominada al Oscar como Mejor Película Extranjera.

“Incendios es parte de una tetralogía y, a su vez, está dividida en cuatro partes: Incendio
de Nawal, Incendio de la infancia, Incendio de Janaane e Incendio de Sarwane. ¿Y qué es el
escenario sino un cuadrado invadido por la imaginación? La obra va de un lugar a otro, de
un espacio abierto a otro cerrado, de un continente a otro, de una cultura a otra. Y se
desplaza con la misma libertad en el tiempo, en escenas que van y vuelven a lo largo de 50
años, que a veces se mezclan o dialogan. Estamos frente a un autor con un dominio
impresionante de los recursos dramáticos y épicos que el teatro explotó y desarrolló a lo
largo de su historia, y también de ahí deriva el reconocimiento de su obra en tantos
países. En Incendios, Wajdi Mouawad logra reconquistar la fuerza que la tragedia tuvo en
la antigüedad. Pocas obras de teatro se han acercado tanto al poder de identificación
(comunicación con la polis) y catarsis que tuvo el teatro en su origen griego. Wajdi
Mouawad se aleja del teatro burgués con una dramaturgia cuatro veces viva: épica,
dramática, social, presente”.

Aderbal Freire-Filho

Con Elizabeth Vignoli, Héctor Guido, Silvia García, Anael Bazterrica, Estefanía Acosta,
Solange Tenreiro, Federico Guerra, Claudio Lachowicz, Pablo Pípolo, Sebastián Silvera
Producción: El Galpón
Coordinación de producción (CTBA): Galo Ontivero

3

Productora técnica (CTBA): Magdalena Berretta Miguez
Dirección: Aderbal Freire-Filho
Con la colaboración del INAE (Instituto Nacional de Artes Escénicas de Uruguay) –
Dirección Nacional de Cultura
Funciones: junio
Teatro
Proyecto Pruebas: El hipervínculo (Prueba 7)
Dramaturgia y dirección: Matías Feldman
Por la Compañía Buenos Aires Escénica
El hipervínculo (Prueba 7) se propone indagar en los nuevos modos de percepción,
suscitados por el fenómeno de conexión en red. Hoy el acceso a la información es
inconmensurable, la velocidad de la circulación de imágenes crece en forma exponencial.
Una porción de información conecta con otras, que a su vez conectan con otras y éstas
con otras. La red propicia una interconexión casi infinita y, paradójicamente, una
desconexión mediada. Acostumbrada a la consecución lógica, la percepción se entrena
ahora en la simultaneidad. Internet es el dispositivo fundamental de una mutación que se
da en todos los niveles: en la política, en la economía, en las relaciones interpersonales, en
la lectura de la historia, en la visión del futuro.
Vivimos en un capitalismo de la información que prospera en lapsos de atención
comprimidos, que se basa en la impresión antes que en la inmersión, en la intensidad
antes que en la contemplación, en las vistas preliminares antes que en las versiones
finales. La globalización cultural ha llegado hoy a su máxima expresión y, a su vez, a su
crisis más profunda. Los modos tradicionales de mirar y percibir se han caído. Se
distorsionan y multiplican las perspectivas. Editamos lo que nos rodea de una forma muy
particular. Una nueva manera de percibir. Una nueva manera de mirar. Una nueva manera
de contar.
Coordinación de producción (CTBA): María La Greca
Funciones: de julio a agosto

Danza

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Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín
Dirección: Andrea Chinetti
Co-dirección: Miguel Ángel Elías
Los integrantes del Ballet Contemporáneo son Constanza Agüero, Lucía Bargados, Melisa
Buchelli, Carolina Capriati, Flavia Dilorenzo, Fiorella Federico, Paula Ferraris, Daniela
López, Silvina Pérez, Eliana Picallo, Andrea Pollini, Eva Prediger, Sol Rourich, Ivana
Santaella, Agostina Scarafia, Erika Zimmermann, Federico Amprino, Adriel Ballatore Crosa,
Leandro Bustos, Darío Calabi, Matías De Cruz, Lautaro Dolz, Rodrigo Etelechea, Darcio
Gonçalez, Matías Iaconianni, Alexis Mirenda, Benjamín Parada, Boris Pereyra, Michael
Requena, Rubén Rodríguez, Damián Saban.
Los asistentes coreográficos son Elizabeth Rodríguez y Diego Poblete. La coordinación de
producción es de Virginia Fornillo.
Sapiens / Ensueño
Sapiens o La domesticación del fuego
De Lisi Estaras
“El homo sapiens es el único que puede hablar de cosas que no existen. Inventar una
ficción y creerla. Convencer al resto de que es verdad. Un gran número de extraños
pueden cooperar con éxito por creer en mitos comunes. El poder de la imaginación de los
seres humanos. En este lugar indefinido se encuentra un grupo de personas para empezar
de cero. Buscan cómo ‘ser’ con el otro. Transformarse, mutar, adaptarse. Re-crearse. El
sentido ambiguo de la comunicación, el individuo y el grupo, el deseo de pertenecer, son
puntos de partida en donde el cuerpo toma la palabra enérgico y extremo. ¿La empatía
nos define como humanos? ¿El pensamiento? ¿Qué nos distingue esencialmente en
nuestra humanidad de las otras especies? ¿Cómo el encuentro con el otro puede
cambiarme? ¿Cómo tratamos de integrarnos o pertenecer a un grupo sin perder nuestra
individualidad? ¿Cómo creo que pienso cuando estoy pensando? ¿Cómo creo que pienso
cuando no estoy pensando? En este mismo momento, lo que pienso cuando pienso ¿es lo
que pienso cuando estoy pensando? ¿Estar haciendo frases es pensar? No estoy pensando
pero estoy buscando mis palabras. En este montón, tiene que haber seguramente una
palabra que vendrá a aclarar este estado a la deriva, esta duda, esta agitación que más
tarde va a ’significar’ algo”.

Especies de espacios de Georges Perec

Coordinación de producción (CTBA): Virginia Fornillo
Producción técnica (CTBA): Ángel Ariel Porro

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Asistente coreográfico: Ido Batash
Música original: Gabriel Chowjnik
Escenografía: Kirka Marull
Iluminación: Ignacio Riveros
Vestuario: Analía Morales
Coreografía y dirección: Lisi Estaras

Ensueño
De Marcelo Savignone
El cuerpo que sueña se propone indagar más allá de las realidades, en las posibilidades, en
lo onírico, en una de las formas del destino, en los mitos y las leyendas que nos
construyen.
La pieza está centrada en la capacidad que tiene el cuerpo de mutar, de transformarse, de
poetizar, de danzar a través del contenido de los sueños. Sueños que nos pertenecen, que
nos dan esperanzas, sueños que nos atormentan, sueños recurrentes, sueños del pasado,
sueños que nos obsesionan, sueños que nunca vuelven, sueños que son mitos.
El sueño como una prolongación de la vida, un lugar a donde volvemos constantemente,
el sueño como una explicación de todo aquello que la realidad no alcanza. El mito como
territorio de exploración. Cuerpos que esperan para dormir, cuerpos que despiertos
sueñan. Cuerpos atravesados por los mitos y leyendas.
Los intérpretes ubicados en el espacio comienzan a transformar la escena a través de sus
propios cuerpos, a través de re-significar los objetos que allí se encuentran. Es ahí donde
todos los sueños confluyen en diferentes coreografías.
Coordinación de producción (CTBA): Virginia Fornillo
Producción técnica (CTBA): Ángel Ariel Porro
Asistente coreográfica y de dirección: Belén Santos
Música original: Diego Frenkel
Iluminación: Ignacio Riveros
Vestuario: Mercedes Colombo
Escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez
Dirección: Marcelo Savignone
Funciones: de agosto a septiembre

Teatro

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Esperando a Godot
De Samuel Beckett
Dirección: Pompeyo Audivert
“El teatro es una máscara que oculta el vacío” (Beckett)
El piedrazo en el espejo
En Beckett mueren las coartadas tranquilizadoras que el “teatro espejo” suele ofrecer a
los que buscan afirmar su identidad y pertenencia, su sentido en el frente histórico.
Beckett es un salto a otra latitud, a una zona dorsal que también es el hombre, aunque sin
parapetos, certezas ni significación: tan sólo cartoneros metafísicos del fin del mundo
buscando entre los restos del derrumbe un poco de calor y de cobijo mientras nos
confiamos a la ilusión del por-venir. Beckett es el piedrazo en el espejo.
“La poética teatral es a veces cóncava y a veces convexa, a veces misteriosa y oscura,
fronteriza y subterránea, y otras veces, excitada por el mundo y lo humano, ardorosa y
sanguínea, celeste y terrestre. Beckett es un ejemplo de la poética cóncava: vacíos sin
atmósfera, territorio arrasado sin historia ni futuro, restos en vías de extinción emiten sus
últimas palabras y gestos a través de cuerpos sin identidad que apenas sostienen
mecánicas afásicas que exudan pavor en la intemperie acéfala. No hay mensaje ni
humanidad ni pensamiento, sólo la pavorosa sospecha de no estar muertos aún.
Shakespeare, en cambio, poética del mundo y del hombre entramada en un furioso
cuerpo de relámpagos, el destino y las compulsiones del ser agitándose en las
contradictorias aguas históricas. Pero la poética teatral es también el arte del contrapunto
de esos dos niveles, ya que ambos dependen del otro para existir  en algún grado. ¿Qué es
lo convexo sino la expresión de un cóncavo dorsal y viceversa? Geometrías de resonancia
en relación teatral. Es excitante pensar lo teatral como la combinación de estos niveles
aparentemente opuestos, no es casual que Beckett cite a Shakespeare y a Calderón o que
tome elementos del circo y del vodevil, ni que en Shakespeare se presienta un nivel
metafísico ominoso destilado en atmósfera. Beckett y Shakespeare tienen muchos puntos
de contacto, abejas mutuas.
Volver a Beckett, a Godot, hoy, es volver a la intemperie, es reconocer que seguimos aquí,
en el páramo de huesos, esperando, haciendo tiempo, deshojando el tiempo bajo un árbol
raquítico mientras el sol del mundo se apaga y no nos atrevemos a morir ni a entrar en
acción. Como Hamlet (paralizado en el estupor de su lucidez atónita y cobarde)”.

Pompeyo Audivert

Con Daniel Fanego, Roberto Carnaghi y elenco.
Coordinación de producción (CTBA): Gustavo Schraier

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Producción técnica (CTBA): Magdalena Berreta Míguez
Iluminación: Félix Chango Monti
Escenografía: Norberto Laino
Sonorización: Claudio Peña
Vestuario: Julio Suárez
Dirección: Pompeyo Audivert
Funciones: de septiembre a diciembre

Danza
Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín
Dirección: Andrea Chinetti
Co-dirección: Miguel Ángel Elías
La tempestad
(reposición)
Versión libre de la pieza de William Shakespeare
Coreografía y dirección: Mauricio Wainrot
“Adaptar una obra literaria o teatral a un vocabulario de movimiento es siempre una gran
aventura. Dentro de la complejidad a la que uno se enfrenta en una empresa de estas
características, Shakespeare, con su enorme capacidad para crear situaciones y personajes
diversos, nos ofrece numerosas opciones y múltiples caminos. Es tal la riqueza de
elementos que prodigan sus obras, que permite a cada artista la posibilidad de trasladar
esos textos a su propia poética y a otros vocabularios.
La tempestad, pieza de acertijos y diversos mundos espirituales, está contada en mi
versión como una obra épica, con personajes mágicos y misteriosos que surgen de la
mirada del personaje principal, Próspero, quien con su poder los plasmará escena tras
escena. Los recreará, y los atraerá hacia su nuevo destino, creando para ello su propia
tempestad, en un espacio mental que domina perfectamente, y en ese otro espacio físico:
la isla que fuera de la derrotada bruja y de Calibán, y que ahora lo contiene a él, a su hija
Miranda y a Ariel”.

Mauricio Wainrot

La tempestad fue estrenada por el Ballet Contemporáneo en 2006, en 2012 por el Ballet
du Capitole de la Ópera de Toulouse, y en 2016 por el Ballet de la Ópera de Bordeaux.

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Coordinación de producción (CTBA): Virginia Fornillo
Producción técnica (CTBA): Ángel Ariel Porro
Música: Philip Glass
Iluminación: Eli Sirlin
Vestuario y escenografía: Carlos Gallardo
Coreografía y dirección: Mauricio Wainrot
Funciones: octubre

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–SALA CASACUBERTA
Danza
Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín
Dirección: Andrea Chinetti
Co-dirección: Miguel Ángel Elías
El reñidero
A partir de la obra de Sergio De Cecco
Coreografía y dirección: Alejandro Cervera
“En 1964 Sergio de Cecco escribe El reñidero donde la Electra de Sófocles aparece
mezclada con los arrabales porteños de principios del siglo XX. Viudas, hijas, matones y
cuchilleros de estirpe borgeana dan cuenta de un asesinato que clama venganza. Los
conflictos de los personajes aparecen enmarcados en un clima social violento y sin reglas.
A más de cincuenta años de haber sido  escrito,  la vigencia de El reñidero, más allá de la
presencia implacable de la tragedia, está dada por la pregunta que abre sobre la
argentinidad. Aquel escenario violento del primer Centenario pareciera tener una
dolorosa presencia en nuestros días.
He pensado esta versión  coreográfica como una sucesión de doce escenas en blanco y
negro, de fuerte contenido dramático, para un grupo de veinte bailarines, un
percusionista, un bandoneonista y una actriz”.

Alejandro Cervera

Actriz: Dahyana Turkie
Coordinación de producción (CTBA): Virginia Fornillo
Producción técnica (CTBA): Ángel Ariel Porro
Meritorio de dirección: Marcela Chiummiento y Eva Rizzonelli
Asistente de dirección: Paz Corinaldesi
Música original: Zypce
Músicos en vivo: Eliseo Tapia – Arauco Yepes
Selección musical: Alejandro Cervera
Iluminación: Matías Sendón
Vestuario: Julio Suárez
Asistente de vestuario: Analía Morales
Escenografía: Alejandro Cervera y Laura Copertino
Coreografía y dirección: Alejandro Cervera
Funciones: de marzo a abril

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Teatro РTemporada internacional (Gran Breta̱a / Argentina)
La tempestad
De William Shakespeare
Traducción: Marcelo Cohen y Graciela Speranza
Dirección: Penny Cherns
Próspero, Duque legítimo de Milán, ha sido desterrado por su hermano, Antonio, y se
encuentra en una isla desierta tras naufragar su barcaza. En ella, Próspero cuenta con la
compañía de su hija Miranda, descansa con sus numerosos libros dedicándose al estudio y
al conocimiento de la Magia, y entra en contacto con espíritus que allí habitan, como Ariel
y Calibán. La acción comienza con una fuerte tormenta, desatada por el espíritu Ariel (por
mandato de Próspero), cuando adivina que su hermano Antonio viaja en un buque cerca
de la isla en la que él se encuentra. Con su ayuda, desde el caos y la locura, Próspero
tejerá un encantamiento que le permitirá iniciar su venganza. Al final renunciará a su
magia perdonando a sus enemigos y permitiendo el matrimonio entre su hija Miranda y
Fernando ¿Cómo podrán avanzar Miranda de Milán y Fernando de Nápoles hacia este
nuevo mundo que, como dice Próspero, sólo le parece así porque ella no lo conoce
todavía? Es difícil ser un gobernante justo y operar a través de un estado de derecho y
justicia, en lugar de que sea el ego el que nos guíe.
La directora británica Penny Cherns, que llega a Buenos Aires para dirigir su versión del
clásico de William Shakespeare, es Directora del Master en Actuación Clásica de la London
Academy of Music and Dramatic Art (LAMDA). Cherns ha trabajado con la Royal
Shakespeare Company, con el Royal Court Theatre y el New End Theatre de Londres, entre
otros. Este espectáculo se presenta en colaboración con el British Council.
Con Osqui Guzmán, Malena Solda, Martín Slipak, Alexia Moyano, Gustavo Pardi, Iván
Moschner y Marcelo Xicarts.
Coordinación de producción (CTBA): Gustavo Schraier
Producción técnica (CTBA): Emilia Martínez Dómina
Asistencia de iluminación: Sebastián Evangelista
Asistencia de escenografía: Luciana Uzal
Director asistente: James Murray
Movimiento en escena y colaboración artística: Abigail Kessel
Música original: Rony Keselman
Iluminación: Eli Sirlin
Vestuario: Mini Zuccheri
Escenografía: Jorge Ferrari
Dirección: Penny Cherns
Funciones: de mayo a agosto

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Títeres para grandes y chicos
Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín
Dirección artística: Adelaida Mangani
Los integrantes del Grupo de Titiriteros son Emmanuel Abbruzzese, Ayelén Allende,
Victoriano Alonso, Lorena Azconovieta, Diego Baez, Ariadna Bufano, Myrna Cabrera,
Eleonora Dafcik, Mariano Del Pozzo, Pablo Del Valle, Mariana Elizalde, Valeria Galíndez,
Silvia Galván, Francisco Garrido, Bruno Gianatelli, Carolina Graff, Julia Ibarra, Román
Lamas, Lara Liebenthal, Celeste López, Lucila Mastrini, Johanna Mizrahi, Fernando
Morando, Estanislao Ortiz, Olavia Paz Campos, Mariano Pichetto, Esteban Quintana, Ivo
Siffredi, Daniel Spinelli, Florencia Svavrychevsky, Leticia Yebra.
Equipo de realización: Alejandra Farley, Katy Raggi y Florencia Svavrychevsky.
Coordinación de producción: Galo Ontivero
Asistentes de dirección: Ayelén Laxalt, Mariana Díaz y Ana Ortiz
La isla desierta
(reposición)
De Roberto Arlt
Adaptación para teatro de títeres y dirección: Adelaida Mangani
“Roberto Arlt nos presenta en esta obra un clima de alienación y conformismo en el
cotidiano de una oficina corriente que está ubicada en un subsuelo. Un día se produce una
mudanza y aparecen problemas que ya existían pero estaban ocultos en la oscuridad del
lugar.
Se trata de un texto que expresa una visión crítica del mundo, y quizá un poco pesimista
sobre la condición humana. Hemos elegido contarla con títeres de manipulación directa
sobre mesa que se alejan un tanto de nuestra dimensión, para permitirnos habilitar el
texto desde la ironía y la ternura.
Al mismo tiempo los titiriteros, convertidos en vehículos de los personajes a través del
escenario, se someten a ellos y unos y otros se burlan un poco del autoritarismo y de la
rutina aplastante. También serán el alter ego que los interroga sobre sus sueños
reprimidos y les proponen ¿por qué no? la aventura de la libertad”.
Adelaida Mangani
Coordinación de producción (CTBA): Galo Ontivero

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Producción técnica (CTBA): Emilia Martínez Dómina
Asistencia de dirección (CTBA): Mariana Díaz
Realización de títeres: Walter Lamas, Alejandra Farley y Katy Raggi y Florencia
Svavrychevsky.
Realización de objetos de “María” y “Manuel”: Estanislao Ortiz
Música original y puesta de sonido: Vicentico
Diseño de iluminación: Omar San Cristóbal
Diseño de títeres, objetos y vestuario: Walter Lamas
Diseño de escenografía: Carlos Di Pasquo
Dirección: Adelaida Mangani
Funciones: de junio a julio

Teatro – Temporada internacional (Uruguay)
El bramido de Düsseldorf
De Sergio Blanco
Siguiendo la línea de autoficción en la cual el dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco
viene incursionando desde hace ya algunos años, su último texto teatral, El bramido de
Düsseldorf, es una pieza que relata la agonía y la muerte del padre de un autor teatral en
una clínica de Düsseldorf.
El dramaturgo de esta ficción ha viajado allí para llevar adelante un proyecto que nunca
sabremos con certeza y exactitud cuál es. A medida que la pieza avance se irán
entrecruzando, en un vertiginoso juego teatral, las tres posibles hipótesis por las cuales
este escritor se encuentra en Düsseldorf y que oscilan entre: la asistencia para concurrir a
la inauguración de una exposición sobre Peter Kürten –el célebre asesino en serie alemán
de principios del siglo XX, conocido con el apodo de El vampiro de Düsseldorf–, y para la
cual el autor ha escrito el catálogo; la asistencia para firmar un contrato como guionista de
películas pornográficas con una de las productoras cinematográficas más importantes de
la industria porno europea; y/o la asistencia para proceder a su conversión al judaísmo
por medio de su circuncisión en la famosa Sinagoga de Düsseldorf. De esta forma,
paralelamente al tema de la muerte del padre –que será central–, el texto irá también
abordando el de los límites del arte, el asunto de la representación de la sexualidad y la
cuestión de la búsqueda de Dios.
Con Gustavo Saffores, Walter Rey y Soledad Frugone

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Producción: Matilde López Espasandín
Coordinación de producción (CTBA): Galo Ontivero
Productora técnica (CTBA): Emilia Martínez Dómina
Asistencia de dirección: Juan Martín Scabino
Video arte: Miguel Grompone
Preparación vocal: Sara Sabah
Preparación de bajo: Nicolás Román
Fotografía: Narí Aharonián
Diseño de sonido: Fernando Tato Castro
Escenografía, vestuario y luces: Laura Leifert y Sebastián Marrero
Dirección: Sergio Blanco
Con la colaboración del INAE (Instituto Nacional de Artes Escénicas de Uruguay) –
Dirección Nacional de Cultura
Funciones: agosto

Teatro -Temporada internacional (Gran Bretaña/Argentina)
Campo minado
De Lola Arias
Traducción: Daniel Tunnard
Campo minado es un proyecto que reúne veteranos argentinos e ingleses de la guerra de
Malvinas para explorar lo que quedó en sus cabezas treinta y cinco años más tarde.
En un set de filmación convertido en máquina del tiempo, los que combatieron se
teletransportan al pasado para reconstruir sus recuerdos de la guerra y su vida de
posguerra. Lou Armour fue tapa de todos los diarios cuando los argentinos lo tomaron
prisionero el 2 de abril, y hoy es profesor de niños con problemas de aprendizaje. Rubén
Otero sobrevivió al hundimiento del Buque General Belgrano y ahora tiene una banda de
tributo a los Beatles. David Jackson pasó la guerra escuchando y transcribiendo códigos
por radio y hoy escucha a otros veteranos en su consultorio de psicólogo. Gabriel
Sagastume fue un soldado que nunca quiso disparar y hoy es abogado penalista. Sukrim
Rai fue un Ghurka que supo usar su cuchillo y actualmente trabaja como guardia de
seguridad. Marcelo Vallejo fue apuntador de mortero y ahora es campeón de triatlón. Lo
único que tienen en común todos ellos es que son veteranos. Pero ¿qué es un veterano:
un sobreviviente, un héroe, un loco? El proyecto confronta distintas visiones de la guerra,
juntando a viejos enemigos para contar una misma historia.
Campo minado indaga las marcas que deja la guerra, la relación entre experiencia y
ficción, las mil formas de representación de la memoria.

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Con Lou Armour, David Jackson, Gabriel Sagastume, Ruben Otero, Sukrim Rai, Marcelo
Vallejo.
Coordinación de producción (CTBA):  Natalia Uccello
Producción técnica (CTBA): Emilia Martínez Dómina
Asistencia de iluminación: Facundo David/ Martín Fernández Paponi
Asistencia de vestuario: Federico Castellón Arrieta
Asistencia de escenografía: Imanol López
Asistencia de producción: Lucila Piffer/ Agustina Barzola Wurth/ Erika Teichert
Asistencia técnica: Imanol López
Sonido: Ernesto Fara
Música original: Ulises Conti
Video: Martín Borini
Iluminación: David Seldes
Vestuario: Andrea Piffer
Escenografía: Mariana Tirantte
Producción asociada: Gema Films
Directora asistente: Sofia Medici/Luz Algranti (Producción e Investigación)
Dirección: Lola Arias
CAMPO MINADO es una co-comisión de LIFT con Royal Court Theatre, Brighton Festival, Universidad
Nacional de San Martín, Le Quai Angers, Athens and Epidaurus Festival, Kunstlerhaus Mousonturm,
Theaterformen y hTh CDN Montpellier.
Con el apoyo del British Council, la Embajada de la República Argentina en Gran Bretaña e Irlanda del Norte,
Arts Council England, The Sackler Trust.
Funciones: septiembre
Teatro
Cae la noche tropical
De Manuel Puig
Versión de Santiago Loza
Dirección: Pablo Messiez
“Cuando hace ya casi treinta años leí por primera vez Cae la noche tropical, supe que
quería hacer teatro con ella. Yo tendría unos 16 y todavía me acuerdo de la emoción al
salir de la biblioteca de Adrogué con ‘el nuevo de Manuel Puig’, ese autor que había
revolucionado mi cuerpo y mi relación con la lectura.

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Al venir a vivir a Madrid unos 20 años más tarde, volvió aquella idea de montar la novela.
Empecé a buscar el libro hasta que lo encontré en una casa de usados, en la misma
edición que había leído en Adrogué, la de la tapa de noche y palmeras.
El poder estrenar Cae la noche tropical en el San Martín es la concreción esperada de más
de un deseo: dirigir a Leonor Manso y a Tina Serrano; trabajar con Fernanda Orazi en
Buenos Aires (¡por fin!); montar una obra en la sala en donde vi la función que me
confirmó mi deseo de dedicarme al teatro (Tres hermanas en versión de Inda Ledesma);
reencontrarme con Santiago Loza; hacer teatro con Puig.
Escribo esto y veo la portada del libro sobre la mesa, atravesada por el sol del otoño de
Madrid, y recuerdo que ‘sentido’ y ‘destino’ se escriben con las mismas letras”.

Pablo Messiez
Nota: El estreno de este espectáculo en octubre de 2018 coincidirá con la celebración de
los 30 años de publicación de la novela de Manuel Puig.
Con Leonor Manso, Tina Serrano y Fernanda Orazi
Coordinación de producción (CTBA): María La Greca
Entrenamiento corporal: Lucas Condró
Iluminación: Gonzalo Córdova
Vestuario: Renata Schussheim
Escenografía: Mariana Tirantte
Dirección: Pablo Messiez
Funciones: de octubre a diciembre

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–SALA CUNILL CABANELLAS
Teatro
Las amargas lágrimas de Petra von Kant
De Rainer Werner Fassbinder
Dirección: Leonor Manso
Petra, una mujer al borde de sí misma, ama a Karin con una pasión que ella no puede
comprender. Karin, una joven oportunista, ama a Petra a su modo, pero no sabe muy bien
cómo responder a esa fidelidad obsesiva. El verdadero amor, Marlene, carece de palabras:
está a la vista y no sabemos reconocerlo. Somos tan crueles con lo que no sabemos
escuchar que el precio a pagar por ello puede ser la soledad más terrible.
R. W. Fassbinder utiliza esta historia de amor lésbico y a sus personajes femeninos para
equiparar las esferas del poder y la opresión sexual a la opresión de la sociedad capitalista.
Las amargas lágrimas de Petra von Kant recrea un mundo en el que se desarrollan las
emociones y necesidades humanas, y el drama no nace de las relaciones que se
establecen entre los personajes, sino de las tensiones generadas por el ansia de poseer.
Con Muriel Santa Ana, Marita Ballesteros, Belén Blanco y elenco
Coordinación de producción (CTBA): Macarena Mauriño
Dirección: Leonor Manso
Funciones: de marzo a mayo

Teatro
La reunificación de las dos Coreas
De Joël Pommerat
Traducción, adaptación y dirección: Helena Tritek

Pommerat (Todo saldrá bien (1) Fin de Louis) siempre sorprende con la fuerza que
transmiten sus obras, de enorme potencial teatral y gran sencillez de medios. En esta
ocasión, La réunification des deux Corées (La reunificación de las dos Coreas) yuxtapone
pequeñas historias, como si fueran fragmentos de un espejo roto, que muestran una
humanidad en las garras del amor y del desamor.
En lugar de una trama, descubrimos aquí unas veinte escenas independientes. La
construcción procede de variaciones contemporáneas alrededor de un tema inmemorial:
es del amor de lo que estamos hablando aquí. ¿Dónde está él, este amor esquivo e

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invisible? Parece inseparable de las historias que se cuentan sobre uno mismo y sobre los
demás, nutridas por carencias, misterios y malentendidos vitales que nada puede disipar.
Cualquier diálogo que lo anime sólo puede ser un diálogo de sordos.
Desgarrador o hilarante (varias escenas demuestran que una cosa no impide la otra), el
amor según Pommerat está relacionado con la pérdida y la separación. Con el ensayo y
error, con la torpeza y la violencia también. Es una ilusión multiplicada por la otra. Y
cuando interviene, el crescendo del cuerpo-a- cuerpo, pasional o mortal, nunca está muy
lejos.
El amor (siempre el mismo, nunca el mismo) trabaja en el cuerpo de los personajes que
pasan frente al público, como en un desfile donde todos pueden reconocerse.
Con Ana María Picchio, Maruja Bustamante, Esmeralda Mitre y elenco
Coordinación de producción (CTBA): Federico Lucini
Dirección: Helena Tritek
Funciones: de junio a septiembre

Teatro – Temporada internacional (Uruguay)
Rabiosa melancolía
De Marianella Morena
Rabiosa melancolía profundiza en las patologías del vínculo; lo hace desde la ruptura del
tiempo, y en un loop entre lo real y la ficción, el pasado y el presente, la vejez y la infancia.
Como una naturaleza beckettiana criolla, o una fábula musical, y apelando a la creatividad
reactiva que nos caracteriza.
Trata sobre la ruptura de la memoria y sus trampas de ficción porque cuando recordamos
alteramos el contenido. Entonces elegimos lo sonoro, que nos transporta sin destino, sin
obligación de entendimiento; las sutilezas sonoras de una taza cuando es apoyada en la
mesa, un chorro de agua, los cubiertos percutiendo la silla; la palabra que se transforma
en música ¿por qué y para qué? Rabiosa melancolía nos sumerge en un relato no lineal.
Tres hermanos esperan que vuelva su madre muerta; para eso reconstruyen las cuatro
comidas a través de canciones, sin saber quiénes viven o no, cuándo se encuentran o se
recuerdan.
Hay tantas historias como personas para vivirlas, hay tantas formas de contar una historia
como artistas en la tierra.
“Rabiosa melancolía nos cuenta sobre la melancolía de crecer, envejecer y vivir con la
angustia del abandono de los mejores recuerdos. No importa si nuestra madre vive o está

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encerrada en su cuarto componiendo canciones para que otros sean felices, y sus hijos
estén sentados en la mesa solos, esperando que ella llegue. Nos cuenta cantando, con las
sonoridades que la palabra produce cuando la emoción y la intensidad necesitan música
para ser expuesta. Tres hermanos deciden olvidar quiénes son, roles y edades; trabajan a
diario sobre qué se elige recordar y de qué forma se siente ¿es malo traicionar? La
propuesta musical es minimalista, pero protagónica y en diálogo entre la palabra hablada
y cantada. Los actores también son cantantes compartiendo escenario con la cantautora
Malena Muyala, quien también actúa. En plano completamente acústico, este cuarteto
juega y construye músicas desde la ficción y ficciona desde la música”.

Marianella Morena

Con Malena Muyala, Mané Pérez, Lucía Trentini,  Agustín Urrutia
Producción artística: Lucía Etcheverry
Coordinación de producción (CTBA): Galo Ontivero
Productor técnico (CTBA): Ángel Porro
Fotografía: Gonzalo Techera
Diseño gráfico: Nicolás Batista
Iluminación: Ivana Domínguez
Vestuario: Magdalena Charlo
Escenografía: Gabriela Fagúndez
Dirección y dramaturgia musical: Malena Muyala
Dirección general: Marianella Morena
Con la colaboración del INAE (Instituto Nacional de Artes Escénicas de Uruguay) –
Dirección Nacional de Cultura
Funciones: junio

Teatro
Tres veces al amanecer
De Alessandro Baricco

Adaptación y dirección: Mónica ViñaoT
Un hombre y una mujer desconocidos se encuentran tres veces en el vestíbulo de un
hotel, poco antes del amanecer.
Cada encuentro es único, primero y último, aunque se trate de los mismos personajes. Y
por ende de los mismos actores. Sus destinos se cruzan en tres momentos distintos de sus
vidas.

19
Son dos adultos primero, un viejo portero de noche y una adolescente luego, y finalmente
un chico y una policía ya madura.
No son secuenciales y, si ocurre uno, no sucederá el otro.
Cada encuentro representará una elección de ambos, destino que influirá en el resto de
sus vidas.
El relato es inquietante y a través de cada acto conocemos la vida de ambos personajes.
Hay un tercer personaje que aparece al final de cada acto y que no es protagónico.
Coordinación de producción (CTBA): Adrián Andrada
Funciones: de septiembre a diciembre

Teatro РTemporada internacional (Gran Breta̱a)
An oak tree
De Tim Crouch
Es una obra con dos actores; Tim Crouch es uno de ellos. Idealmente, el segundo actor no
ha visto ni ha leído esta pieza antes de ingresar al escenario cuando se da comienzo al
espectáculo. De esta manera se genera más libertad para que responda según lo que le
surja en el momento. An oak tree es sólo el momento.
Crouch guía al segundo actor -abierta y cuidadosamente- a lo largo de la función,
aportándole un texto e instrucciones. Está atento y trabaja para asegurarle su propio
espacio y para que se sienta apoyado y capaz de cumplir airosamente con su parte.
No hay una manera correcta de realizar An oak tree; no hay una forma errónea tampoco.
Lo que existe es la forma en que se concreta en cada función y es diferente en cada
oportunidad -incluso si cada palabra está escrita en un texto previo-. La obra es una
invitación a que ambos actores se mantengan abiertos a lo que pueda suceder.
En las presentaciones que se ofrecerán en el Teatro San Martín, el segundo actor será
elegido en Buenos Aires, es decir que será un intérprete local, con dominio del inglés.
Este espectáculo se presenta en colaboración con el British Council.
Sala y fecha a confirmar

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–HALL CENTRAL
Con el correr de los años, el Hall Central del Teatro San Martín se transformó en un
espacio para el encuentro informal entre el público y los artistas. Con capacidad para
recibir hasta cinco mil espectadores, el Hall ha ofrecido recitales de música de los géneros
más diversos, como así también espectáculos para grandes y chicos y de danza, siempre
con entrada libre.
Danza – Temporada internacional (Suiza)
Compañía Gilles Jobin
Força forte
Con Força forte, trabajo inspirado en la física de las partículas, Gilles Jobin regresa al
escenario con su primer dúo junto a Susana Panadés Diaz. La producción está basada en
los principios de la fuerza fuerte como una regla para generar movimiento y componer
coreografía. Força forte juega con varias capas de realidad y explora la conexión entre los
cuerpos y el espacio. Cuerpos virtuales son primero proyectados en la pantalla, antes de
hacerse reales en el escenario. Imágenes virtuales, la música y los elementos de la
escenografía son cosas tangibles que los bailarines manipulan en tiempo real. El western
contemporáneo, el desierto y los cactus mexicanos aparecen como representantes de una
soñada identidad universal, que uno podría ponerse como si fuera un disfraz.
Funciones: abril
Además, durante su estadía en Buenos Aires, el reconocido coreógrafo suizo trabajará con
el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín en el montaje de su ya clásica The
Moebius Strip, y comenzará una investigación sobre imágenes 3D y captura de
movimiento, junto a los bailarines de la compañía. El estreno será durante la temporada
2019 del Complejo Teatral. Este proyecto cuenta con la colaboración de ProHelvetia.
Danza
“Ballet desenchufado”- La “cocina creativa” del Ballet del Teatro San Martín
El Ballet continuará habitando el espacio del Hall Central para realizar su actividad abierta
a todo público de manera libre y gratuita, como una forma de acercarse aun más a los
espectadores, mostrándoles su “cocina creativa”. A las clases y ensayos abiertos, se
sumará un repaso por algunas de las obras de su repertorio.

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“Carta blanca” – Taller de Investigación Coreográfica del Ballet del Teatro San Martín
Potenciando el proyecto de investigación coreográfica iniciado con "Enfoques a un mundo
no mirado" (trabajo en proceso de las bailarinas de la compañía Lucía Bargados, Melisa
Buchelli y Silvina Pérez), el Ballet abre un nuevo espacio de creación y experimentación. A
partir de esta iniciativa, los bailarines de la compañía investigan en sus personales formas
de pensar y crear danza contemporánea. En 2018 se sumarán nuevas propuestas y el Hall
Central del Teatro San Martín será también un espacio en donde el público podrá
descubrir una nueva faceta de los intérpretes del Ballet Contemporáneo.
Bailemos en el Hall
Gente con swing, el baile realizado en noviembre en el Hall del Teatro San Martín,
inauguró el ciclo "Bailemos en el Hall", que continuará durante todo  2018 acercando las
danzas sociales -y no tanto- a todos los que quieran venir a moverse sin prejuicios.
El ciclo está orientado a personas de todas las edades, con o sin conocimientos de las
danzas ofrecidas: folklore argentino, rock and roll, danzas afro, y muchas más.

Charlas
“Escenas compartidas”: Diálogos en el Hall
En 2018 continuará este ciclo de conversaciones entre el público y los creadores de las
producciones del Complejo Teatral de Buenos Aires, que se inauguró en 2017. En este
espacio de encuentro y reflexión los asistentes pueden tener un contacto directo con
actores, directores, escenógrafos, vestuaristas o coreógrafos y conocer sus procesos
creativos en el marco de un teatro público de producción propia, así como reflexionar
sobre las interpretaciones y resonancias que cada obra genera.
El principal objetivo es abrir la charla al público, para que realice preguntas y dialogue en
vivo con los creadores presentes en cada encuentro.
-FOTOGALERÍA BANCO CIUDAD
Próximo al Hall Central, desde 1985 el pasillo de comunicación del Teatro San Martín
entre las calles Corrientes y Sarmiento se convirtió en una sala de exhibición permanente
con exposiciones de los más importantes fotógrafos argentinos y extranjeros, que serán
retomadas en 2018. También se reanudarán las muestras fotográficas en las salas del
primer piso del Hall Central. Entrada libre.

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Ciclo de Conciertos de Música Contemporánea (CCMC)
Edición XXII
Sedes: Sala Casacuberta, Sala Cunill Cabanellas y Hall Central del Teatro San Martín; Sala
Sinfónica del CCK y Teatro de la Ribera
En 2018, el CCMC llegará a su vigésima segunda edición consecutiva. Como en 2017, este
ciclo ampliará los puntos de vista acerca de “lo contemporáneo” y acercará otras
posibilidades –y otros públicos– al conjunto de las músicas comprometidas con las
estéticas más innovadoras del presente. Habrá, por otra parte, y tal como se comenzó en
este año, un fuerte eje en los encargos de obras a compositores argentinos: seis piezas
breves para power trío –Pedro Chalkho en guitarra eléctrica, Juan Pablo Navarro en bajo
eléctrico de seis cuerdas y Facundo Negri en batería–, cuatro composiciones para el dúo
de pianos conformado por Silvia Dabul y Lucas Urdampilleta, y cuatro piezas para un trío
de bandoneón, flauta y arpa integrado por Pablo Mainetti, Patricia Da Dalt y Lucrecia
Jancsa. Entre los autores convocados están Luis Mucillo, Agustina Crespo, Sebastián Rivas,
Pablo Ortiz, Gabriel Valverde, Guillo Espel, Martín Matalón, Jorge Sad, Teodoro Cromberg,
Luciano Azzigotti, Abel Gilbert, Pablo Mainetti, Facundo Negri, Esteban Insinger y Pedro
Chalkho.
Dos grupos argentinos de notable trayectoria, el coro Diapasón Sur y el Cuarteto de
Cuerdas de la UNTREF, estrenarán la obra Et Lux, de Wolfgang Rihm, con dirección de
Mariano Moruja; el compositor Esteban Insinger presentará una versión multimediática e
instrumentada para grupo de cámara de sus Diarios y los ensambles Nacional del Sur, de
Oscar Edelstein, y Compañía Oblicua, de Marcelo Delgado, presentarán programas
especiales. Se realizará asimismo la segunda edición de Cuerpo a cuerpo, en el Teatro de
la Ribera, con el estreno de obras producidas en residencia por compositores y
coreógrafos del Ensamble Tropi, el Conservatorio Manuel de Falla y la Compañía de Danza
de la UNA. La contrabajista francesa Joëlle Léandre se presentará además junto con el
violinista Théo Ceccaldi, y con un grupo de participantes, en un taller de improvisación
que dictará durante una semana. La otra presencia internacional será la del trío
neoyorquino Bearthoven, con estrenos de obras especialmente encargadas por ellos para
su formación de piano, bajo y percusión.
Coordinación general: Nahuel Carfi
Coordinación de producción: Lourdes Maro
Dirección: Diego Fischerman
Funciones: de noviembre a diciembre

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Cine
-SALA LEOPOLDO LUGONES
Con la colaboración de la Fundación Cinemateca Argentina y el apoyo, como es habitual,
de la Embajada de Francia, el Instituto Italiano de Cultura, el Centro Cultural e Informativo
de la Embajada del Japón, el British Council y el Goethe-Institut, se presentarán diversos
ciclos, entre los que se cuentan:
Retrospectiva Derek Jarman
Con la colaboración del British Council, en el marco del foco británico en la temporada
internacional.
Grandes clásicos restaurados del cine japonés
Con la colaboración del Centro Cultural e Informativo de la Embajada del Japón
A 50 años del Mayo francés
Con la colaboración de la Embajada de Francia
A propósito de la visita de Gilles Jobin (Suiza) para presentar en el Teatro San Martín Força
forte, se exhibirá su película WOMB, un film estereoscópico de danza que ofrece una
experiencia artística aumentada gracias a la tecnología 3D de alta definición.
También habrá estrenos exclusivos de películas argentinas y latinoamericanas y una nueva
presentación de festival DocBuenosAires, un clásico porteño.
Veteranos, de Lola Arias
Estreno del film en coincidencia con su obra Campo minado, a estrenarse en el Teatro San
Martín. Foco británico de la temporada internacional.
La flor, de Mariano Llinás
Estreno del film en coincidencia con la retrospectiva dedicada al grupo teatral Piel de Lava
en el Teatro Sarmiento.
BAFICI
El festival porteño vuelve a la Lugones
Director de programación: Luciano Monteagudo

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TEATRO REGIO
Av. Córdoba 6056

Teatro / M̼sica РTemporada internacional (Espa̱a/Argentina)
Miedo
Idea original, autoría e interpretación: Albert Pla
Dirección: Pepe Miravete
La nueva producción de Albert Pla es Miedo. Para esta ocasión, además de sus habituales
colaboradores, cuenta con la contribución del equipo artístico de Mondongo (Juliana
Lafitte y Manuel Mendanha) una pareja de artistas argentinos muy reconocidos en el
mundo del arte. Las músicas son de Raül Refree, músico, compositor y uno de los
productores musicales españoles más importantes.
Este texto nos propone un viaje íntimo y muy personal, desde la infancia hasta más allá de
la sepultura, por las sensaciones, las emociones y los sentimientos que nos produce ese
fantasma que vive en nuestra mente alimentado por nuestros pensamientos, el miedo.
En el escenario se hace un repaso, en tono irónico, de los miedos de siempre, los temores
habituales, el miedo a uno mismo, los fantasmas que nos asedian, el terror a la muerte…
Una tras otra se van desgranando las canciones como una manera de espantar o enfrentar
los propios miedos. Y finalmente, la catarsis de la risa, la liberación.
Teatro musical, concierto o recital teatralizado. En este nuevo proyecto se abunda en la
utilización de música y canciones, textos teatrales y tecnologías vanguardistas para crear
un espectáculo multimedia de poética sorprendente.
Con el apoyo del Institut Ramón Llull.

Coordinación de producción: Pedro Páramo y Diana Glusberg
Coordinación de producción (CTBA): Natalia Uccello
Música original: Albert Pla y Raúl Fernández, “Refree”
Diseño sonoro: Roc Mateu
Iluminación: Jordi Surroca
Diseño de arte: Mondongo
Escenografía: CUBE
Audiovisuales: Nueveojos
Dirección: Pepe Miravete
Temporada de verano/ Estreno mundial
Funciones: de enero a marzo

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Teatro
Un enemigo del pueblo
De Henrik Ibsen
Versión y dirección: Lisandro Fiks

La democracia es un abuso de la estadística
Jorge Luis Borges
“Henrik Ibsen escribió esta obra en 1882, en Noruega. Lo que más me atrajo siempre de
ella es la contradicción a la que nos somete. La actualidad del texto original me permite
trasladarla a la Argentina al día de hoy.
Un enemigo del pueblo es una obra con dos personajes enfrentados. Son  hermanos, pero
pareciera que sólo los une un error genético. Ambos son personalidades de peso en su
comunidad, uno es el médico y el otro el intendente. Surge un conflicto, un inminente
problema que afecta a la salud de todo el pueblo. Ambos diseñan la solución de manera
opuesta. El médico defiende su juramento hipocrático y sus principios inquebrantables, y
el intendente defiende los intereses del pueblo que lo votó. No hay un bueno y un malo.
Ibsen logró ponerse en la piel de cada uno y argumentar, cada cual con su lógica, con sus
valores. ¿Cuál de los dos es el verdadero enemigo del pueblo? ¿Quién tiene razón? La
decisión, igualmente, la tiene la mayoría, y eso está bien…¿o no? Eso es la democracia. La
obra se plantea esta pregunta, y no da la respuesta. Eso es lo fascinante de ella. ¿Qué pasa
cuando debemos someternos a la decisión de la mayoría? Ibsen cuestiona la integridad de
las personas ante esta situación. ¿La mayoría tiene la razón? Hoy, pasados más de 130
años desde que el dramaturgo noruego escribió esta obra, podemos seguir buscando la
respuesta”.

Lisandro Fiks

Con Juan Leyrado, Raúl Rizzo, Edgardo Moreira, Romina Fernandes
Coordinación de producción (CTBA): Adrián Andrada
Dirección: Lisandro Fiks
Funciones: de abril a junio

Títeres para grandes y chicos

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Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín
Dirección artística: Adelaida Mangani
La vuelta al mundo en 80 mundos
(reposición)
Versión libre de Luis Rivera López sobre la novela de Julio Verne “La vuelta al mundo en 80
días”
Dirección general y puesta en escena: Sergio Rower
“La clásica novela de aventuras de Julio Verne nos permite hacer el recorrido por diversos
mundos reunidos por una peripecia llena de diversión, peligros y misterio. Cuando el
protagonista dice: ‘Nunca bromeo con algo tan serio como un juego’, abre la puerta a un
viaje delirante que revolucionará su vida formal y ordenada. Fogg y Passepartout se
introducen en cada mundo que atraviesan, emergiendo aparentemente iguales que antes.
Sin embargo, las experiencias los van cambiando, y estos verdaderos Sancho y Quijote
terminarán dando una vuelta al mundo real para desembarcar, finalmente, en su propio
mundo interior“.

Luis Rivera López

Coordinación de producción (CTBA): Galo Ontivero.
Producción técnica (CTBA): Matías Ledesma
Asistencia de dirección (CTBA): Ayelén Laxalt, Ana Ortiz
Asistencia artística de sonido: Matías Rower
Realización de títeres: Andrés Manzoco, Julieta Rivera López
Coreografía: Marina Svartzman
Música original y puesta de sonido: Daniel García
Diseño de iluminación: Luis Rivera López
Dirección de arte, diseño de escenografía, títeres y de vestuario: Alejandro Mateo
Dirección de actores y titiriteros: Luis Rivera López
Dirección general y puesta en escena: Sergio Rower
Funciones: de mayo a agosto

Teatro

27

Blum
De Enrique Santos Discépolo y Julio Porter
Dirección: Mariano Dossena
Blum, multimillonario dueño de un emporio de empresas, ve alterada su agitada y exitosa
vida de hombre de negocios, por un delirante reclamo de un trío de coristas (“Las
Diamonds”) de su programa de TV de jabones "Blum".
A partir de este suceso, Blum encuentra en Lucy, una de las coristas, un motivo para dar
un vuelco y darle un nuevo sentido a su vida pero, luego de una revelación, se da cuenta
de que ni con su fortuna y poderío puede comprar el amor ni la felicidad.
Ingenio, poesía y humor mordaz son los principales condimentos que posee el texto de
Discépolo y Porter, además de contar con una estructura clásica y perfecta. Blum es una
comedia con gran ritmo, con algunas intervenciones musicales y con tintes del music-hall
de los años ‘50. Todos sus elementos conforman un friso en el cual conviven el mundo de
las finanzas, el espectáculo y el amor.
“Blum fue estrenada en 1949, en el Teatro Presidente Alvear, por la Compañía de Enrique
Santos Discépolo. Posteriormente no hubo otra puesta de la obra ni en el circuito oficial ni
en el comercial. Última pieza que Enrique Santos Discépolo protagonizó y escribió junto a
Julio Porter, se trata de una comedia -de gran dinamismo, humor y reflexión- dividida en
dos actos que aborda temas como la soledad del poder, el amor por conveniencia, el
sentido de la vida y otros tópicos que Enrique Santos Discépolo siempre ha tocado en sus
geniales y emblemáticos tangos. Es una obra poco conocida en la actualidad, pero que en
su época tuvo gran éxito de público y críticas, tanto por su actuación como por su
dramaturgia. Hubo incluso una película muy difundida en los años ‘70, que se basó en esta
obra, protagonizada por Darío Vittori y Nilda Lobato, dirigida por el mismo Julio Porter.
La puesta en escena de esta versión mantendrá el marco de época (años ‘50) tanto en la
escenografía y el vestuario, como en el lenguaje a través de sus giros particulares y
poéticos, para lograr así mantener el espíritu discepoliano y el humor tan increíblemente
actual. Se abordará también el lenguaje musical que los autores proponen para contar
esta historia, donde la música y un ballet muy particular agregan una pintoresca nota de
color.
Me fascina trabajar con textos clásicos, ya que estos autores nos siguen interpelando, y
me parece interesante revisar escénicamente este material de un Enrique Santos
Discépolo muy poco visitado, en su rol de dramaturgo, más allá de sus tangos, que son un
himno argentino”.

Mariano Dossena

Coordinación de producción (CTBA): Macarena Mauriño
Funciones: de agosto a noviembre

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Teatro – Temporada internacional (Uruguay)
If
De Gabriel Calderón
Festejan la mentira. Se murió el abuelo y lo espera su familia en la sala velatoria. Pero
ciertas cosas que deberían suceder no suceden; la familia no lo llora, los amigos y
conocidos no vienen, el cuerpo no llega. La necesidad de un final digno, de un punto final
humano a una vida, de cerrar bien lo que ha vivido mal, es un mandato al que todos los
familiares son llamados. Pero ¿y si fueron engañados? ¿será necesario que se vuelvan
engañadores?
Con Dahiana Méndez, Gustavo Saffores, Alma Claudio, Carla Moscatelli y Giselle Mota
Producción general: Bruno Gadea
Coordinación de producción (CTBA): Galo Ontivero
Productor técnico (CTBA): Matías Ledesma
Ingeniero de sonido: Gustavo Martínez
Vestuario: Pablo Auliso
Escenografía e iluminación: Pablo Caballero
Dirección: Gabriel Calderón
Con la colaboración del INAE (Instituto Nacional de Artes Escénicas de Uruguay) –
Dirección Nacional de Cultura
Funciones: septiembre

Teatro

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Madre Coraje
De Bertolt Brecht
Versión y dirección: José María Muscari
Madre Coraje hoy
Porque Brecht siempre es hoy
Porque Brecht es existencial
Porque me intriga buscar cómo desde el ayer el autor nos dice cosas de nuestro cotidiano
hoy
Creo que Madre Coraje es el símbolo de la alianza entre la guerra y el comercio, en donde
la codicia lleva a pérdidas irreparables.
Todo me resuena
La guerra, la alianza y el comercio
Grandes temas de candente actualidad
Madre Coraje
es drama con potencia
Es manifiesto con poética
Madre Coraje es mítica y necesaria
Madre Coraje es una gran obra para este preciso momento
Para hablar y respirar teatro de ideas, para gritar con vehemencia verdades teatrales
universales que nos movilicen la vida que hoy nos toca vivir.

José María Muscari

Coordinación de producción (CTBA): Federico Lucini
Funciones: de octubre a diciembre

Tïteres para adultos

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Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín
Dirección artística: Adelaida Mangani
La Musa y el Poeta
De Eduardo Rovner
Adaptación para teatro de títeres de la ópera de Jacques Offenbach Los cuentos de
Hoffmann
Dirección: Adelaida Mangani
“El poeta Hoffmann es admirado por los estudiantes de Nüremberg por su obra y por las
historias de amor que relata entre danzas y diversión. Es famoso por ser muy enamoradizo
y por relatar sus amores de modo intrigante y novelesco. Entretanto es perseguido por
Lindorf, quien siempre intenta arrebatarle a su amada de turno y sumirlo en una enorme
tristeza. Sus amigos tratan de protegerlo, pero no podrán evitar que Hoffmann cometa
locuras ni que sus amadas, Stella y Giulietta, lo abandonen y sean crueles con él.
Sin embargo, hay una presencia mágica y persistente que lo acompaña. Es la Musa, quien
busca atraer la atención de Hoffmann y hacer que abjure del resto de sus amores, para
dedicarse plenamente a ella: a la poesía. Finalmente Hoffmann, abriendo su corazón a la
Musa, surgirá de las cenizas de su dolor y se abrazará para siempre a la Poesía. Hermosa
historia que reafirma, una vez más, que es en el arte y en su espiral dialéctica donde los
seres humanos reparan su fragmentación. Que es en el instante poético donde se alcanza
la síntesis superadora: el triunfo de la vida sobre la muerte.
Contaremos la fantasmática de la Musa y el Poeta mediante el Arte de los Títeres. A través
de su magia representaremos lo surreal y lo ambivalente de la poesía. Será un lugar donde
la pena y la alegría se compensen, en este mundo tormentoso, al menos por un
momento”.

Adelaida Mangani

Coordinación de producción (CTBA): Galo Ontivero
Productor técnico (CTBA): Matías Ledesma
Asistente de dirección (CTBA): Mariana Díaz
Realización de títeres: Walter Lamas, Alejandra Farley y Katy Raggi
Música original y diseño de sonido: Santiago Chotsourián
Diseño de iluminación: Magdalena Berretta Miguez
Diseño de escenografía, títeres y vestuario: Maydée Arigós
Dirección: Adelaida Mangani
Funciones: de noviembre a diciembre
TEATRO DE LA RIBERA

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Av. Pedro de Mendoza 1821
Teatro musical
Crimen pasional
(reposición)
De Ástor Piazzolla y Pierre Philippe
Traducción: Jorge Fondebrider
Adaptación: Marcelo Lombardero, Guillermo Fernández y Jorge Fondebrider
Dirección general: Marcelo Lombardero
Crimen pasional o la “Ópera de un solo hombre” –según la denominación hoy clásica de
esta obra– es la pieza de teatro musical que compuso Ástor Piazzolla en 1982 para el
cantante y compositor corso Jean Guidoni (1951), que en 1975 había hecho su aparición
en el firmamento de la canción y el varieté francés. Un ciclo de 13 canciones, parcialmente
inspiradas en algunos aspectos de la vida y la muerte de Eugen Weidmann, asesino serial
alemán que en los años previos al inicio de la Segunda Guerra Mundial cometió una serie
de crímenes atroces, originados en secuestros extorsivos. La atención brindada por la
prensa de la época al proceso judicial y el escándalo que siguió a la ejecución de
Weidmann –que incluyó a una multitud decidida a mojar sus pañuelos en su sangre–
hicieron de él el último guillotinado en público de la historia francesa.
Con Guillermo Fernández
Músicos: Cristian Zárate Sexteto: Pablo Agri (violín), Nicolás Enrich (bandoneón), Esteban
Falabella (guitarra), Roberto Tormo (contrabajo), José Luis Colzani (batería), Cristian
Zárate (piano)
Bailarines: Florencia Segura, Manuco Firmani
Coordinación de producción (CTBA): Nahuel Carfi, Lourdes Maro
Asistencia de escenografía: Lucía Garramuno
Asistente de dirección (CTBA): Tamara Gutiérrez, Sofía Palomino
Coreografía: Ignacio González Cano
Iluminación: Horacio Efrón
Escenografía: Noelia Svoboda
Vestuario: Luciana Gutman
Arreglos: Leonardo Sánchez, Cristian Zárate
Diseño de sonido: Leonardo Leverone
Dirección musical: Cristian Zárate
Dirección general: Marcelo Lombardero

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Reposición: Michelle Krymer
Temporada de verano
Funciones: de febrero a marzo

Teatro-Danza- Música-Artes visuales
Striptease
El arte siempre recurrió al desnudo. Hasta podría decirse que no hay arte sin desnudos.
No obstante el striptease nunca obtuvo un reconocimiento pleno como género artístico.
Cuatro importantes creadores abordarán una clase de espectáculo tan antiguo como
marginal, tan popular y al mismo tiempo despreciado. Alfredo Arias, Maricel Alvarez,
Pablo Rotemberg y Florencia Vecino fueron convocados por el Teatro de la Ribera para
realizar cada uno de ellos un número de striptease, con interludios musicales de Carmen
Baliero.
El secreto del striptease sin embargo no es el del desnudo sino el del desnudarse. No se
trata tanto del punto de llegada como de la manera en que se llega allí. Al fin y al cabo
para mantener el deseo es necesario que nunca se cumpla del todo. El striptease es el arte
de la demora, de la postergación. El artista establece un juego de ocultamientos y de
provocaciones; todo lleva hacia el desnudo pero se sabe que el desnudo será el final del
juego.
Clovis al desnudo
Dirección: Alfredo Arias
Bailarina / Actriz: Mariela Anchipi
Cantante / Actriz: Fanny Bianco
Ecdisis (Muda)
Concepto, dramaturgia escénica y dirección: Maricel Alvarez
Movimiento, performer, styling: Ulrico Eguizabal.
Visuales: Leandro Ibarra, Nico Dardano.
Asesoramiento en musicalización: Vanessa del Barco.
Asesoramiento dramatúrgico: Ezequiel Steinman

Striptease 3
Dirección: Florencia Vecino

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Striptease 4
Dirección: Pablo Rotemberg
Coordinación de producción (CTBA): Natalia Uccello
Interludios musicales: Carmen Baliero
Curaduría: Diana Theocharidis
Funciones: de abril a julio
Teatro musical
Divino amore
De Alfredo Arias y René de Ceccatty
Dirección: Alfredo Arias
“Roma: Al final de los años ‘70 una compañía teatral había encontrado refugio en el
sótano de una iglesia -Borgo Santo Spirito- a pocos pasos del Vaticano. Se trataba de la
compañía Doriglia-Palmi. El Sr. Palmi muerto, su esposa Bianca Doriglia y su hija Ana Maria
Palmi continuaron su sacrificado camino teatral presentando delante de un público
despiadado una serie de intensos melodramas religiosos. El escenario minúsculo que los
albergaba no podía contener correctamente los palacios, grutas, explosiones de minas,
ascensiones o naufragios que sus espectáculos proponían a una desalmada audiencia. El
público estaba allí agazapado esperando festejar a carcajadas una de las habituales y
torpes peripecias de estos santos hijos de Thalia. Estas inapropiadas risotadas habían
impulsado a los misioneros del teatro a posicionar un proyector mata risa que se encendía
iluminando sorpresivamente al público cuando éste se reía en un momento imprevisto.
Los místicos cómicos imperturbables proponían obras como Los Hijos de Nadie,
melodrama en cuarenta cuadros con explosión de la mina. La mina era una montañita de
cartón y la explosión era un desgraciado cohete que arrojaban de entre bambalinas
mientras un accidentado personaje con vendas ensangrentadas se tiraba aplastando el
montículo de papel madera.
Las monjitas de la asistencia junto a los huerfanitos reprimían sus risas mientras un
público definitivamente sádico disfrutaba alborotado de las precarias soluciones
escénicas. Los toilettes de tan digno teatro eran en cambio frecuentados por un grupo de
silenciosos feligreses decididamente sodomitas. Este destartalado barco a la deriva me
procuró grandes emociones teatrales.
Divino amore es una fantasía en torno a la audacia de esta gente que, sin temerle al
ridículo, desafiaban santamente las leyes de la decencia teatral. Es así como desfilaron
frente a mi azorada mirada piezas tales como: Salomé y la danza de los siete velos
ejecutada entre bambalinas, Santa Bárbara y el derrumbe de la torre pintada sobre una

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tela arrugada, o Santa Bernardette, sus ovejas y la sorpresa de la Virgen en la gruta que
casi la mata de un susto”.

Alfredo Arias

Con Carlos Casella, María Merlino, Marcos Montes y Alejandra Radano.
Coordinación de producción (CTBA): Federico Lucini
Arreglos musicales: Diego Vila
Vestuario: Pablo Ramírez
Espacio escénico y luces: Gonzalo Córdova
Dirección: Alfredo Arias
Funciones: de agosto a diciembre
Danza
Danza al borde
El ciclo Danza al borde pone un acento especial sobre la relación entre la danza
contemporánea con otros lenguajes artísticos. La idea consiste en estimular los
encuentros con creadores de distintas disciplinas, propiciando el contacto y el diálogo
entre universos a veces muy distantes entre sí.
El Espacio de los ventanales, situado en el hall del primer piso del Teatro de la Ribera,
estará dedicado a obras de nuevos coreógrafos que exploran este espacio no
convencional.
Tres jóvenes coreógrafos realizarán residencias de creación que darán como resultado la
presentación de sus obras durante la temporada 2018.
Asimismo se desarrollará un programa de danza sobre músicas de compositores
argentinos contemporáneos y la segunda edición de Cuerpo a cuerpo, con encargos a
coreógrafos y compositores, en colaboración con el Ensamble Tropi y la Compañía de
Danza de la UNA y con el Ciclo de Música Contemporánea del CTBA.
En este ciclo se presentarán también obras de distintas compañías, tanto independientes
como pertenecientes a espacios institucionales.

Curaduría: Diana Theocharidis
Sábados y domingos de abril a noviembre

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TEATRO SARMIENTO
Av. Sarmiento 2715
Teatro
Arde brillante en los bosques de la noche
(reposición)
De Mariano Pensotti
Arde brillante en los bosques de la noche se enfoca en el centenario de la Revolución
rusa y algunas de sus resonancias artísticas y políticas en el mundo contemporáneo. Toma
como fuente de inspiración la figura de Alexandra Kollontai, revolucionaria y feminista
soviética, sus conceptos sobre la libertad, el cuerpo, la sexualidad y cómo el capitalismo
construye una identidad femenina específica.
Arde brillante… cuenta las historias de tres mujeres actuales cuyas experiencias están
atravesadas por la Revolución rusa de maneras muy diferentes.
Está narrada a través de tres formatos distintos para cada una de sus partes (marionetas,
teatro y cine), poniendo en cuestión el cuerpo y sus representaciones y la dicotomía entre
ser espectador o participante de la Historia.
Es una obra de marionetas que un día van a ver una obra de teatro cuyos personajes serán
espectadores de una película. Como una gran muñeca rusa, hecha de ficciones dentro de
ficciones que se modifican unas a otras.
A un siglo de la Revolución rusa, tomando algunas ideas formales de la vanguardia
soviética y asumiendo que en los últimos años el feminismo es uno de los movimientos
más lúcidos, activos y revolucionarios en la Argentina y el mundo, la obra intenta
recuperar la aún vigente pregunta de Lenin frente a lo político: “¿Qué hacer?”
Es difícil no pensar que muchos de los problemas que la mayor parte de la población
mundial enfrentaba cien años atrás no son tan diferentes de los que enfrenta ahora.
Puede ser una simplificación, pero los conflictos en relación a la igualdad, la distribución
de la riqueza, los derechos de los trabajadores y la lucha contra nuevas formas de
explotación parecen tan relevantes como lo eran en 1917.
Con Susana Pampín, Laura López Moyano, Inés Efrón, Esteban Bigliardi, Patricio Aramburu
Coordinación de producción (CTBA): Adrián Andrada
Asistencia de producción (CTBA): Facundo Savarino
Asistencia de escenario: Malena Juanatey, Tatiana Mladineo
Asistencia de escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez, Tatiana Mladineo, Luciana Peralta
Asistencia de dirección (CTBA): Fabián Barbosa

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Asistencia artística: Juan Schnitman
Producción artística: Florencia Wasser / Grupo Marea
Producción técnica: Ángel Ariel Porro
Realización de marionetas: Román Lamas
Realización rostros marionetas: Marcos Berta
Música: Diego Vainer
Escenografía y vestuario: Mariana Tirantte
Dirección: Mariano Pensotti
Temporada de verano
Funciones: de enero a febrero

ARTISTA EN RESIDENCIA
A través del programa Artista en Residencia, el CTBA invita a un artista o grupo de artistas
para desplegar y profundizar un proyecto a largo plazo. Esta propuesta se realiza
anualmente y el proceso se compone de tres partes: una breve retrospectiva, un
seminario para compartir el trabajo con la comunidad artística y, finalmente, producir un
estreno. El programa se inauguró en la Temporada 2017 con el Proyecto Pruebas de la
Compañía Buenos Aires Escénica y continúa en 2018 con la retrospectiva y estreno del
colectivo Piel de Lava.
Teatro
Retrospectiva Piel de Lava
Colores verdaderos / Neblina / Tren / Museo
Sobre Piel de Lava
La compañía Piel de Lava se formó en 2003 y desde entonces trabaja
ininterrumpidamente en procesos de creación colectiva. Han estrenado cuatro obras:
Colores verdaderos (2003), Neblina (2006), Tren (2010) y Museo (2014).
Durante 2018 estas obras volverán a ofrecerse en el marco de una retrospectiva del grupo
en el Teatro Sarmiento. Todos estos trabajos fueron construidos desde procesos de
exploración sobre los mecanismos actorales y la dramaturgia grupal. A través de ellos, Piel
de Lava ha ido encontrando un método propio en el que simultáneamente confluyen la
actuación, la dramaturgia grupal y la dirección teatral. Desde ahí se preguntan “¿Cómo
será hacer todas las obras juntas? ¿Cómo resonarán en nosotras hoy esos materiales que
creamos hace 3, 7, 10 ó 14 años? Estamos regidas por el entusiasmo que nos propone esta

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nueva investigación. Los montajes serán fieles testigos de estas respuestas que buscamos
con infinita alegría”.
El grupo Piel de Lava está integrado por Elisa Carricajo, Valeria Correa, Laura Paredes y
Pilar Gamboa. En sus últimos trabajos, Tren y Museo, sumaron la colaboración de Laura
Fernández.
Todas sus obras fueron publicadas por la Editorial Entropía en 2015.
Las cuatro obras de la Retrospectiva serán interpretadas por la Compañía Piel de Lava
(Elisa Carricajo, Valeria Correa, Pilar Gamboa y Laura Paredes)
Coordinación de producción (CTBA): Mariana Mitre
Asistencia de iluminación: Adrián Grimozzi
Asistencia de escenografía: Estefanía Bonessa
Diseño sonoro: Jorge Grela
Vestuario: María Laxague Viñuela
Escenografía e iluminación: Matías Sendón
Dramaturgia y dirección: Piel de Lava y Laura Fernández
Funciones: de abril a junio
Workshop
Sobre la creación grupal
El grupo Piel de Lava dictará un workshop de ocho encuentros sobre la creación grupal.
Estará dirigido especialmente a grupos de actores, bailarines, músicos y performers. Los
grupos podrán ser preexistentes, crearse para participar del workshop o formarse entre
los asistentes.
Abril

Teatro
Petróleo
Dramaturgia y dirección: Piel de Lava y Laura Fernández
Yacimiento petrolero en la Patagonia.
Cuatro hombres conviven en un trailer y extraen, a unos pocos kilómetros de allí, petróleo
de un pozo que casi está vacío.
El viento es ensordecedor.

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Adentro el tiempo libre se cubre de polvo, de bromas pesadas, de desafíos físicos.
Afuera, la piedra se fractura para extraer la última gota, lo poco que queda.
En su quinta obra, Piel de Lava investiga la posibilidad de habitar personajes masculinos,
en diálogo constante con la capacidad de generar ficción a partir de ciertos
procedimientos grupales y también como una forma de indagar sobre la construcción del
género y los estereotipos.
Con Compañía Piel de Lava (Elisa Carricajo, Valeria Correa, Pilar Gamboa,
Laura Paredes)
Coordinación de producción (CTBA): Mariana Mitre
Escenografía: Rodrigo González Garillo
Iluminación: Matías Sendón
Dirección: Piel de Lava y Laura Fernández
Funciones: de julio a septiembre

Títeres para grandes y chicos
Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín
Dirección artística: Adelaida Mangani
La biblioteca de los libros desordenados
De Nelly Scarpitto, Mariana Trajtenberg, Claudia Villalba, Daniel Scarpitto y Julieta Alessi
Dirección: Román Lamas
Texto ganador del I Premio “Ariel Bufano” en Dramaturgia para Teatro de Títeres y
Objetos.
La biblioteca de los libros desordenados esconde entre viejos estantes y libros
polvorientos al extraordinario universo de los Caldericos. Allí vive Pino, un pequeño
Calderico, alegre y travieso, extraño y diferente. Pino tiene una cola con flores que
provoca la burla y el desconcierto entre los suyos. Emprender un viaje parece ser la
solución. Un viaje largo hasta que caiga la última flor.
Pino inicia su travesía junto a Fratelo, su mejor amigo, y su mascota Rechulele.
Surcan el cielo en un ave multicolor, navegan el mar Azul en un  barco de papel y conocen
a Eco, el guardián del bosque de los fósforos. Pero la cola con flores sigue siendo un
problema.
Una noche de luna llena Pino, muy triste, conversa con ella: “Pequeño, un día tu cola va a
ser lo más radiante y generoso”. Pero Pino no comprende.

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Sin encontrar respuestas, el  pequeño Pino y sus compañeros de viaje emprenden el
camino a casa. A lo lejos divisan que una fina capa de ceniza gris ha cambiado el mundo de
los Caldericos transformando el paisaje en desolación y tristeza.
A su regreso, Pino descubrirá la razón de su hermosa y generosa cola con flores.
La biblioteca de los libros desordenados posa la mirada sobre los “diferentes”, los
“extraños” y sobre lo singular  que a cada uno lo hace ser lo que es.
Coordinación de producción (CTBA): Galo Ontivero
Asistencia de dirección (CTBA): Ayelén Laxalt
Dirección: Román Lamas
Funciones: julio
Teatro
Animal romántico
Dramaturgia y dirección: Agostina Luz López
La obra parte de la observación de una pintora en la vida real llamada Denise Groesman.
Sus cuadros y sus procesos artísticos fueron disparadores para empezar a pensar esta
creación.
Miranda es una pintora joven y nos encontramos en su taller de arte. Es un espacio blanco
rodeado de cuadros, algunos están en proceso y otros finalizados. Los cuadros en general
reproducen escenas que tienen un tinte teatral. Tienen colores fuertes y estridentes. Lo
que prevalece son autorretratos de la pintora en distintas edades. Entrar a su taller es
como verla reproducida al infinito, como si fuera un espacio en donde hay todo el tiempo
semejanzas, espejos. Además de todos estos cuadros, hay una pantalla del tamaño de los
cuadros que funciona como una pintura en movimiento.
En este espacio aparece su padre; los mundos de Miranda y su padre se van conectando a
lo largo de la obra ya sea por tener lógicas radicalmente opuestas o al contrario, por
descubrir puntos donde pueden encontrar sus similitudes. El padre descubre por primera
vez las pinturas de su hija, y una fascinación hacia ellas lo conmueve, tanto que empieza a
soñar que vive en las creaciones de su hija y eso trastorna ambos mundos.
Miranda también tiene sueños, que aparecen en esa pantalla que a su vez funciona como
cuadro. En estos sueños siempre aparece una chica que vive en la naturaleza, que ella
bautiza como hippie. A su vez, acompaña a su proceso artístico una presencia ambigua, un
joven de dieciocho años, que empieza a intervenir en sus pinturas.
A través de la pintura, la obra despliega sus preguntas sacando al exterior el oscuro
inidentificable de Miranda, su interioridad, llamando o evocando su intimidad. Son
preguntas sobre la creación, sobre la pintura, sobre el retrato, sobre la identidad, sobre

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cómo el interior y el exterior se enlazan haciéndose uno, sobre la relación entre padres e
hijas y sus distintos espacios de trabajo y cómo con distintas formas de vivir hay puntos de
encuentro y puntos de fuga, cómo el amor se despliega más allá del género, qué es vivir
un proceso artístico y cuáles son los pensamientos que nos acompañan en ese trance, qué
es ser una joven pintora o una joven artista hoy, en este mundo contemporáneo, y cómo
el sueño y la realidad a veces son imposibles de distinguir, tal vez construyendo un tercer
plano más extraño, raro y misterioso.
Coordinación de producción (CTBA): Macarena Mauriño
Funciones: de septiembre a diciembre